films

Annoncé comme la suite de The Shining, ce film est donc -lui aussi- une adaptation du roman éponyme de Stephen King. Il met en vedette Danny Torrance, qui a réussi à 'échapper de l'hôtel Overlook, et qui lutte contre ses démons (alcoolique et psychique). Il a en effet toujours en lui le shining, cette faculté qui lui permet de voir des fantômes, mais aussi, et c'est nouveau, de converser mentalement (et à longue distance) avec des gens "comme lui". C'est comme ça qu'un beau jour une fillette prénommée Abra entre en communication avec lui. Une conversation amicale qui dure plusieurs années, alors que "Dan" (pour changer du diminutif dont le dotait feu son père) réussit à mettre fin à son addiction à la dive bouteille, et trouve du travail dans un hospice de la petite ville de Frazier (New Hampshire). Mais au bout de 8 ans de "correspondance" mentale, Abra alerte "Oncle Dan" : elle a des visions concernant des enfants "comme eux" qui sont enlevés puis "mangés" par un groupe de vampires psychiques se faisant appeler le "Noeud Vrai". Commence alors un jeu du chat de la souris, avec des intrusions mentales mutuelles, des coups de feu et des bons sentiments.
 

Le film est monté, scénarisé et réalisé par Mike Flanagan, qui avait déjà réalisé Jessie, autre adaptation d'un roman de Stephen King en 2017. Son travail est de bonne facture, il a de la technique pour nous montrer comment l'esprit peut être aspiré, manipulé, pénétré... La filiation avec le film de Stanley Kubrick est d'autant plus assumée que certaines scènes du premier film ont été refilmées à l'identique pour illustrer le passif de Danny. On est clairement dans une histoire vampirique, dans une veine psychique, avec la façon dont les douleurs des victimes du Noeud Vrai sont aspirées (littéralement) par leurs tortionnaires, mais aussi la façon dont ils meurent.

Sans être dans le haut du panier, cette adaptation est dans une bonne moyenne des adaptations de King. Une qualité due au fait que ce dernier n'a pas touché au scénario, et que Flanagan a une vraie sensibilité pour le genre et se révèle un bon technicien de la réalisation. Mc Gregor cabotine un peu, mais ne dessert pas le film, dans le casting duquel se détache également Rebecca Ferguson, actrice suédoise qui aune vraie présence (ici habitée) à l'écran.

Spooky
 

Finney Shaw, un adolescent de 13 ans, timide mais intelligent, est enlevé par un tueur sadique qui l’enferme dans un sous-sol insonorisé où s’époumoner n’est pas d’une grande utilité. Quand un téléphone accroché au mur, pourtant hors d’usage, se met à sonner, Finney va découvrir qu’il est en contact avec les voix des précédentes victimes de son ravisseur. Ils sont aussi morts que bien résolus à ce que leur triste sort ne devienne pas celui de Finney.

Scott Derrickson, réalisateur de l'Exorcisme d'Emily Rose, Sinister et Hellraiser 5, mais aussi du premeir Dr Strange, a voulu revenir à ses premières amours, le film d'horreur. Se souvenant avoir lu au début des années 2000 la nouvelle de Joe Hill Black Phone, il a commencé à travailler à son adaptation. Pour incarner le méchant Ravisseur, il a pensé à Ethan Hawke, qu'il avait déjà dirigé dans Sinister. Malgré le fait qu'il passe 90% du temps le visage masqué, c'est la voix de l'acteur, à la fois caverneuse et fragile, qui donne une dimension particulière à son personnage. La gestuelle aidant, il compose un méchant assez convaincant, et imposant physiquement.

Face à lui le jeune Mason Thames, dont c'était le premier rôle au cinéma, est lui aussi pas trop mal en gamin futé ayant quelques pouvoirs particuliers. Des pouvoirs, sa petite soeur Gwen en possède aussi. Elle fait en effet des rêves en rapport avec les enfants disparus depuis quelques mois dans cette banlieue nord de Denver. Mais cette fois-ci, c'est la vie de son frère qui est en jeu. Faisant fi des brimades et avertissements de leur père alcoolique, elle décide d'agir et de retrouver la maison que ses rêves lui indiquent. Quasiment tout le film repose sur l'intensité et la présence des jeunes acteurs, lesquels interagissent avec d'autres adolescents. A ce titre, la séquence où le fantôme d'un enfant disparu explique à Finney comment frapper le ravisseur avec un objet contondant est assez bluffante, voire hypnotisante. 

On ne peut pas dire que Joe Hill soit beaucoup mieux loti que son père Stephen King en termes de qualité d'adaptation, mais celle-ci est plutôt correcte, et par les temps qui courent, on s'en contentera.

Spooky

"Le nouveau chef d’œuvre de Hayao Miyazaki" "Chaque image est un tableau peint à la main." Voilà quelques-unes des accroches de certains medias au sujet du dernier -en date- film du maître japonais de l'animation. Autant vous dire que c'est totalement vide de sens. Une œuvre d'un même auteur ne peut avoir qu'un seul sommet, un seul chef d’œuvre, sinon cela ne veut plus rien dire. Quant aux tableaux peints à la main... Les tableaux étaient peints à la main, tous, avant que d'autres outils soient mis à la disposition des peintres, devenus pour certains des illustrateurs.

Voilà, ces agacements passés, transportons-nous donc dans ce film, qui a créé le buzz une fois de plus. Non seulement parce qu'il s'agit d'une œuvre de Miyazaki, mais aussi parce que le studio Ghibli a choisi de n'en faire aucune promotion, de n'en livrer aucune image -hormis une affiche, un brin énigmatique- jusqu'à sa sortie japonaise, en juillet dernier. Alors que la sortie française officielle est imminente, le jeu habituel de la distribution s'est tout de même mis en marche sous nos latitudes : avant-premières, images promotionnelles, bande-annonce alléchante...

Mahito, douze ans, a perdu sa mère lors d'un incendie dû aux bombardements pendant la guerre dans l'hôpital où elle était soignée quelques années auparavant. En compagnie de son père il déménage à la campagne, où ce dernier a fait construire une usine à proximité du manoir de sa belle-famille. En effet il a épousé la soeur cadette de son ex-femme, et cette dernière porte déjà son enfant. Quelque peu déprimé par cette istuation et hanté par sa course désespérée pour sauver sa mère dans une Tôkyô en flammes, Mahito traîne son spleen à l'école, où il devient rapidement le souffre-douleur de ses camarades. Il se mutile volontairement, pour ne plus y retourner. C'est alors qu'un héron cendré commence à le harceler, lui affirmant que sa mère n'est pas morte comme on le lui a fait croire, et qu'il sait où la trouver. Mahito le suit jusqu'à une tour désaffectée à proximité du manoir de sa belle-famille, une tour qui aux voies emmurées qui recèle un passage vers une autre dimension...
 

Après des films fabuleux comme Le Voyage de Chihiro, Nausicäa de la vallée du vent ou encore Mon Voisin Totoro, après Le Vent de lève, qui se présentait comme le film-testament du réalisateur tant il brassait ses thèmes favoris et de nombreux éléments autobiographiques, Miyazaki arrive encore à surprendre et un peu dérouter ses fans et ses exégètes. Mais dans un premier temps, à ravir leurs yeux. Car en effet, la finesse du trait et la fluidité de l'animation, toujours réalisée "à l'ancienne" sont par moments à couper le souffle. Il y a toujours cette poésie visuelle, ces images sublimes qui constituent la patte de Miyazaki-san dans Le Garçon et le Héron. Et toujours, toujours, cette musique symphonique et délicate de Joe Hisaishi pour l'accompagner. Et une histoire dense, avec un enfant déraciné (comme dans Chihiro, Souvenirs de Marnie, Mon voisin Totoro...) au centre de l'histoire. Une histoire inspirée par plusieurs romans comme Et vous, comment vivrez-vous ?, écrit par Genzaburô Yoshino, un best-seller réédité plus de 80 fois et paru en 1937. Miyazaki y a également inséré des éléments issus du roman de John Connolly, Le livre des choses perdues, sorti en 2006. 

Mais surtout, un connaisseur de la vie du réalisateur y verra des éléments autobiographiques : comme lui, Mihato est le fils d'un chef d'entreprise qui prospéra grâce à 'industrie aéronautique pendant la guerre,e t sa mère était malade et soignée à l'hôpital. L'adolescent rencontre un vieil homme, qui aimerait trouver un successeur, capable de maintenir grâce à sa sensibilité et ses gestes délicats un monde sur le point de s'effondrer, symbolisé par des pièces de formes disparates. On peut y voir une allégorie de Miyazaki, tentant de maintenir à flot un studio Ghibli dans une situation très difficile.

Le thème principal du film est cependant la mort. Elle n'est ici pas définitive, d'une certaine façon, puisque dans la dimension onirique où voyagent Mihato et Héron (oui, le héron, qui n'en est pas vraiment un, s'appelle comme ça) la mort, le temps et la vie n'ont plus vraiment de sens, ou peuvent s'apprécier différemment. C'est une nouvelle synthèse de l'oeuvre miyazakienne qui s'offre à nous, mais de façon moins accessible, moins évidente que par le prisme de ses précédents films. Ce qui risque de placer ce garçon et le Héron un, voire deux crans en-dessous ces films précédemment cités. Il faudra probablement plusieurs visionnages pour saisir la portée et la profondeur de ce douzième long-métrage du réalisateur.

Spooky

Miles Morales est un adolescent vivant à Brooklyn, admirant Spider-Man comme de nombreux habitants de New York. Brillant étudiant, il vient de rejoindre la prestigieuse Visions Academy, où il ne sent pas vraiment à l'aise, mais est soumis à la pression de son père, Jefferson Davis, un policier qui voit d'un mauvais œil les actions de Spider-Man. Miles peut compter sur le soutien de son oncle, Aaron Davis, qui l'emmène dans une station de métro abandonnée, afin que Miles puisse y peindre des graffitis, où l'adolescent est mordu par une araignée radioactive. Le lendemain, ses pouvoirs d'araignée se manifestent. Il revient à la station et assiste à un combat entre Spider-Man et plusieurs de ses ennemis (le Bouffon Vert et le Rôdeur) tandis que le Caïd lance l'activation d'un portail interdimensionnel via un Synchrotron. Spider-Man surprend Miles et comprend grâce à son sens d'araignée qu'il partage ses pouvoirs, mais doit d'abord désactiver le portail. Le Bouffon Vert pousse Spider-Man dans le portail, provoquant une explosion qui laisse le héros gravement blessé. Il donne à Miles une clé USB pour désactiver le collisionneur, avant d'être retrouvé et tué par le Caïd devant Miles, qui doit fuir le rôdeur qui le poursuit. Miles se retrouve seul, avec ses nouveaux pouvoirs, et un possible héritage très lourd. Comment stopper le Caïd ? C'est alors qu'il est accosté par... Spider-Man. Pas celui qui est mort, mais celui qui vient d'une autre dimension. 

Ce long-métrage d'animation ne s'inscrit PAS dans le Marvel Cinematic Universe. En effet il est produit par Sony, qui possède les droits du personnage, en association avec Marvel. ce qui explique qu'en début du film on a droit à un -rapide- rappel de ce qu'il s'est passé dans les films live Spider-Man et The Amazing Spider-Man. Mais ce film adapte le gros arc narratif du nom de son héros, Miles Morales, et le met aux prises avec le multivers, et différentes incarnations de Spider-Man. Comme dans le récent Spider-Man: No Way Home, on intègre différents éléments d'univers, on saupoudre d'ironie et on donne un but commun à ces incarnations. Pour sauver leur existence. Bien sûr, la technique de l'animation, dont les studios Sony sont l'un des fers de lance, permet des séquences absolument vertigineuses. Miles est le nouveau Spider-Man, mais il ne devient pas pour autant un adulte mature et sûr de lui. C'est encore un adolescent, dont les parents l'exaspèrent mais qu'il aime profondément, et c'est simplement et finement montré. Il voudrait qu'ils soient fiers de lui, sans forcément en faire des tonnes. 
 

Surprenant, drôle, malin, virtuose. Je valide.

Spooky

Le voilà le premier chaînon manquant du Marvel Cinematic Universe. Black Widow était en effet presque la dernière, dans l’équipe « initiale » des Avengers, à ne pas avoir encore eu son film dédié. C’est triste à dire, mais ce retard était sans doute dû à la condition féminine de l’héroïne, mais aussi au fait qu’elle n’a pas de super-pouvoirs, ou d’armure renforcée la transformant en tank volant, comme Iron-Man. Alors qu’en face, Wonder-Woman a eu son propre film (en 2017), et même un deuxième, trois ans plus tard. Sous la pression des fans, mais aussi de Scarlett Johansson, qui l’incarne à l’écran, la production du long-métrage a été lancée en 2019, sous la férule de Cate Shortland, proposée par l'actrice, qui est aussi productrice exécutive. Mais une fois terminé, le film a mis du temps à sortir. La faute à l'épidémie de COVID, entre autres. Et une fois sur les écrans, les critiques et la fréquentation (après un bon démarrage) ont été plutôt désastreux, à tel point qu’à l’heure actuelle, aucun nouveau film mettant scène Natasha Romanoff n’est prévu. Tentative d’explication.

Comme je l’ai indiqué, Natasha Romanoff, alias Black Widow, n’a pas de super-pouvoir. Tout juste peut-on imaginer, au vu des précédents films où elle apparaît (notamment Avengers : l'ère d'Ultron), qu’elle a été cobaye dans une expérience scientifico-militaire dans sa Russie natale au cours de sa jeunesse[1]. C’est cet aspect de son histoire (mais pas une histoire de ses origines) que l’on va découvrir, avec en ouverture du film le départ précipité d’une famille d’origine russe de son domicile de l’Idaho. Une précipitation due à l’arrivée d’une colonne paramilitaire commandée par le Général Ross (William Hurt), qui court aussi, la plupart du temps, après Hulk. La famille, non sans y laisser des plumes, atterrit à Cuba, où les deux jeunes filles de la famille, Natasha et Yelena, vont se retrouver dans une sorte de bunker pour un programme secret…

21 ans plus tard, alors qu’elle vient de récupérer des échantillons d’un gaz aux propriétés mystérieuses dans un laboratoire secret après les évènements ayant conduit à la mort du roi du Wakanda, Black Widow se fait intercepter de manière extrêmement violente par un personnage mutique revêtu d’une combinaison cuirassée, armé entre autres d’un bouclier robuste et véloce. Cette rencontre va l’amener à devoir renouer avec un passé qu’elle avait sinon oublié, du moins enfoui…

Au-delà du woman bashing dont a pu être victime le film, il faut avouer que les pontes de Marvel ont presque tout fait, ou presque, pour assurer son échec. L’histoire, si elle s’inscrit dans une continuité temporelle du MCU avec cette mention des évènements décrits dans Captain America: Civil War, aurait pu se passer à peu près à n’importe quel moment de la timeline du MCU. Il y a très peu de mentions des autres personnages de cet univers, hormis Captain America et Œil de Faucon, qui a été un temps le coéquipier de Natasha. Contrairement à d’autres films « spin-off » de la trame constituée des films Avengers, aucun autre super-héros déjà connu n’apparaît. Cela se justifie, dans la mesure où la plupart des Avengers sont soit rentrés dans le rang, soit disparus.

Mais tout de même, cela réduit les possibilités narratives (et le budget, de fait), puisqu’on n’a que cinq personnages principaux, et deux secondaires. La plupart des effets spéciaux sont réunis dans la représentation d’une cité volante, refuge du grand méchant, dont la plupart des scènes visibles sont celles d’une destruction en cours ou terminée. Et parmi ces personnages, on retiendra la performance de deux personnages : Yelena, jouée par Florence Pugh et Alexei Shostakov, alias le Red Guardian, père adoptif des deux fillettes devenues super-espionnes, qui oscille entre l’esbroufe et le dramatiquement pathétique. Mais David Harbour a au moins un peu de présence. Quant aux autres personnages, y compris celui incarné par Scarlett Johansson elle-même, ils sont totalement anecdotiques dans leur expression. Pourtant elle avait déclaré, au moment de la sortie, fin 2021 : "Au sein de l’Univers Cinématographique Marvel, Natasha représente une personnalité aussi impénétrable que redoutable. C’est une femme téméraire et incontrôlable, dotée d’un intellect hors pair. Quels sont ses secrets ? A-t-elle des faiblesses ? Je suis impatiente de partager ses fragilités et ses forces avec le public. Elle évolue dans un monde masculin et y apporte une autre façon d’être. Notre volonté était de révéler la vraie Black Widow. Comment flinguer un film de A à Z, voilà la grande leçon de ce 24ème long-métrage de la franchise, et peut-être le pire…

Ces derniers temps j'ai un peu lâché les films Marvel. Hormis les sagas Spider-Man et Black Panther, je ne m'y retrouvais pas vraiment. Trop de personnages (dont certains m'étaient inconnus), des intrigues qui tournent un peu en rond, et puis aussi la Phase 3 qui s'est terminée (ou presque) avec Avengers: Endgame me semblait ne pas vraiment avoir besoin de suite. Mais il restait une franchise que j'avais découvert avec le premier, c'était Les Gardiens de la Galaxie. Cette équipe de bric et de broc, combinant différentes races, avait su m'accrocher, m'émouvoir, et aussi, avouons-le, me faire rire, avec son côté déjanté. Le deuxième opus en revanche, m'a laissé relativement froid, malgré la présence de Kurt Russell, de David Hasselhoff et de Sylvester Stallone au casting pour des rôles d'importances diverses. On y explorait les origines de de Peter Quill, alias Star-Lord, dans une révélation qui... et bien ma foi ne m'a pas vraiment intéressé. Quant à celles des frangines Gamora et Nebula, on en a eu un peu dans plusieurs films, et ça suffisait. Et puis les joutes verbales un brin absurdes entre Mantis et Drax, c'est rigolo un film, un film et demi, mais en faire plus aurait été de trop, d'autant plus que Dave Bautista, en avait un peu soupé du rôle du destructeur un peu bas de plafond... James Gunn avait été viré du MCU pour des vieux tweets pas très malins, et s'était bien occupé en bossant un peu pour la maison d'en face, à savoir DC/Warner, notamment en réalisant The Suicide Squad. Cela ne s'annonçait pas super bien pour ce troisième épisode, mais heureusement Disney a fini par convaincre tout le monde de s'embarquer une dernière fois, en promettant un ultime volet qui resterait dans les mémoires.

J'étais pourtant curieux de voir la conclusion de la saga, dont le raton-laveur modifié Rocket allait être le moteur. Car au-delà de la bestiole enragée qui adore défourrailler se trouve une créature au destin d'une tristesse immense. Et les producteurs et les scénaristes l'ont bien compris, puisqu'au cours d'une intrusion de leur repaire par un certain Adam Warlock, celui-ci se trouve dans le coma, et que ses amis vont tout faire pour essayer de le sauver. Pour cela ils doivent récupérer une sorte de carte-mémoire chez la société qui a modifié Rocket, et on se doute bien que Gamora, qui a pourtant quitté les Gardiens après sa mort-résurrection due à Thanos, va jouer un rôle non négligeable dans le processus. On perd un peu de vue les enjeux en cours de route, car le scénariste-réalisateur James Gunn va utiliser une part non négligeable du temps imparti pour nous raconter la genèse de Rocket, de bébé raton-laveur servant de rat de laboratoire, à celui de combattant super-vénère alors qu'il était justement d'un caractère doux...

Pari gagnant parce qu'avec cet arc narratif, le réalisateur a été honoré par l'association PETA, au sujet de la cruauté des expérimentations sur les animaux. Le plaidoyer est vibrant, et tout cet arc est déchirant. Complètement. Mais chacun des personnages principaux a son enjeu, qui est résolu -un brin rapidement pour chacun- à la fin, ce qui donne une "vraie" fin à la série. Autre élément important dans l'action : la relation douce-amère entre Peter Quill et une version alternative de la Gamora qu'il aimait. Le capitaine des Gardiens arbore ainsi régulièrement une mine triste, ayant perdu presque toute sa joie de vivre. Pour l'occasion Gunn a mis en face des Gardiens un méchant typique de Marvel : mégalomane, sans réelle nuance ni épaisseur. Il faut dire qu'avec une petite dizaine de personnages dont il faut régler la situation, il n'avait pas trop de place, ce pauvre Maître de l'Evolution. Idem pour Adam Warlock, annoncé depuis le second film, il n'a droit qu'à quelques mini-séquences et à une dimension comique quand il s'exprime, ce qui est une réduction presque criminelle au personnage des comics.

Au début du film, alors que l'équipe de Star-Lord a désormais -littéralement- pignon sur rue, celle-ci se déchire, chacun songeant à son cas, et le ton est profondément mélancolique (au passage, la bande-son est encore incroyable, avec une version de Creep de Radiohead tout à fait indiquée). Comme le dit lui-même Gunn au cours d'une interview, tout l'équipage du Milan (puis du Bowie -bel hommage) est constitué de marginaux, de personnages qui ne se sentent pas à leur place. Mais qui se retrouvent unis grâce à leurs failles, leurs doutes, leurs histoires dramatiques.

Bien sûr, les effets spéciaux tiennent une place énorme dans le film : entre une planète organique, des animaux à qui on a greffé des éléments métalliques (et pas dans le style Toy Story, c'est nettement plus crade, ce qui rajoute encore au mélange dégoût/chagrin qu'on a pendant toutes les séquences où le Rocket modifié est emprisonné), mais aussi un méchant à la peau tirée façon RoboCop (référence assumée par une réplique de Quill), on a même droit à un film un brin nauséeux, ce qui n'était pas encore arrivé dans cet univers cinématique.

Le meilleur Marvel (parmi les 32 sortis à ce jour) ? Probablement pas, le premier et les deux derniers Avengers sont quand même de haut niveau. Mais le plus émouvant, le plus remuant avec Black Panther 2, jouant sur d'autres sujets. A noter la présence sympathique d'un acteur qui se fait rare, Nathan Fillion (the Rookie, Serenity, la série Castle...).
 

Spooky.

Dans un monde qui semble presque mort, nous faisons la connaissance d'un couple d'Américains avec trois enfants, qui vit dans une ferme et vient s'approvisionner dans une petite ville proche. Cette famille, dont la fille aînée est sourde, prend bien garde à ne pas faire de bruit. AUCUN bruit. Mais une imprudence, une faiblesse, et la famille se retrouve amputée d'un membre. Parce que dans le secteur (et peut-être partout sur Terre) se trouvent des créatures sanguinaires, rapides, qui sont aveugles mais bénéficient d'une ouïe surdéveloppée.

Comment ai-je pu passer à côté de ce film ? Je n'en ai vraiment entendu parler que quand un deuxième épisode est sorti, en 2021. Le pitch m'a intéressé, et je me suis dit qu'à l'occasion, il fallait que je voie le premier (un troisième segment est prévu pour 2025, d'ailleurs). Une grande partie du film est glaçante, tétanisante. La famille, pour survivre, s'exprimer essentiellement via le langage des signes ou des astuces visuelles, heureusement hors de portée des prédateurs.

Par conséquent le film comporte plusieurs scènes de tension extrême, où l'on peut admirer le jeu d'acteurs d'Emily Blunt (...), John Krasinski (qui réalise le film), Millicent Simmonds... Le casting se compose en tout et pour tout de quatre acteurs parlants, ce qui renforce l'atmosphère paranoïaque.

Le film est court, mais très efficace.

Spooky

Dans le futur, les écosystèmes se sont effondrés. Parmi les survivants, quelques privilégiés se sont retranchés dans des citadelles coupées du monde, tandis que les autres tentent de subsister dans une nature devenue hostile à l’homme. Vivant dans les bois avec son père, la jeune Vesper rêve de s’offrir un autre avenir, grâce à ses talents de bio-hackeuse, hautement précieux dans ce monde où plus rien ne pousse. Le jour où un vaisseau en provenance des citadelles s’écrase avec à son bord une mystérieuse passagère, elle se dit que le destin frappe enfin à sa porte…

Vesper Chronicle, production britannico-franco-lituanienne, est une fable écologique prenant pied dans un futur sans espoir. Les gens qui ne font pas partie des Citadelles vivent dans la boue, doivent payer de leur sang pour offrir une vie meilleure pour les nantis. Le film s'offre cependant de belles scènes de visions poétiques, notamment avec la nature que Vesper tente de développer dans son laboratoire. Les décors naturels, situés en Lituanie (en forêt essentiellement) ont la part belle dans le film, qui ne disposait probablement pas de moyens financiers énormes. Ce qui explique également la quasi-absence d'effets spéciaux, qui n'ont servi que pour les mutations (parfois craspecs) de la nature contaminée. Aucun fond vert n'a ainsi été maltraité dans le film. Cela donne un cachet d'authenticité qui a disparu de la plupart des productions relevant de la SF de nos jours.

Le film ne comporte que cinq rôles parlants et demi, la jeune Vesper (interprétée par Raffiella Chapman) étant présente dans 90% des plans. Quelques mots du casting : Raffiella Chapman, 13 ou 14 ans au moment du tournage, a un physique androgyne qui permet de se concentrer sur son jeu, plutôt intéressant dans un film qu'elle porte quasiment sur ses jeunes épaules. Face à elle, deux acteurs chevronnés : Eddie Marsan vu dans Deadpool 2 et Vice, est parfait en parrain qui règne sur une ferme très particulière, et Richard Brake (Batman Begins, le Dahlia noir...), qui rompt avec ses rôles malaisants en devant rester cloué à un lit et communiquer avec sa fille via un drone à moitié pourri. Rosy Mc Ewen, qui joue Camélia, l'invitée inattendue chez Vesper et son père, est un peu plus en retrait, pour un rôle bien particulier. Mais l'ensemble est quand même très correct, et permet de bien suivre cette quête sans espoir de l'adolescente.

La bonne surprise de l'été. A noter une très bonne bande-son, atmosphérique, réalisée par Dan Levy.

Spooky

Et si une énorme comète se dirigeait tout droit sur notre planète, et qu'elle la détruirait entièrement ? C'est ce que découvrent Kate Dabiasky et Randall Mindy, deux astronomes de l'Université de Michigan State. Ils en réfèrent tout de suite aux plus hautes instances scientifiques du pays, puis à la Présidente des Etats-Unis. Laquelle est plus préoccupée par les élections de mi-mandat, qui arrivent vite, que par une nouvelle potentiellement contraire à sa popularité, elle qui joue -un peu trop- sur son sex appeal. Dépités, les scientifiques décident de passer par la case médias pour faire connaître l'atroce nouvelle : les Terriens n'ont plus que 6 mois à vivre. Mais là encore ils vont de confronter à l'ineptie de ce contre-pouvoir, plus prompt à faire du divertissement qu'à faire peur aux gens.

Dès sa sortie sur la plateforme de streaming Netflix, le film d'Adam Mc Kay (Vice, The Big Short) a fait le buzz : oscillant en permanence entre le drame social et la comédie, elle interroge sur les relations entre le pouvoir politique et les lobbies, sur le rôle des médias et l'obscurantisme des climato-sceptiques. Il n'est pas question de réchauffement climatique, puisque la comète Dabiasky n'en est pas la conséquence, mais les comportements et les réactions sont comparables. Les séquences tragi-comiques s'enchaînent dans le film, et je vous avoue que je comprends le comportement de Jennifer Lawrence, qui joue la jaune astronome doctorante qui découvre le bolide et se heurte à toutes ces barrières : j'aurais envie de péter complètement un câble.

Don't Look up est un excellent film. Non seulement parce que tous les acteurs sont bons, voire excellents, mais aussi et surtout parce qu'au-delà de son aspect parodique, de la réaction outrée de certains personnages (Meryl Streep et Cate Blanchett sont monstrueuses), il est surtout... incroyablement crédible. Nous fonçons droit dans le mur, nous tuons notre propre planète de plus en plus vite, et les grands de ce monde n'en ont STRICTEMENT rien à foutre. Alors on rit, mais jaune, très jaune.

C'est flippant.

Spooky.